Parar e pensar... no mundo da arte

Texto publicado na Artecapital em Dezembro de de 2011.

Artistas, críticos e curadores têm-se esforçado por enunciar reflexões construtivas e exercer o seu sentido crítico em relação às condições actuais da actividade artística. A preocupação maior é parar e pensar, fazer o ponto da situação, aferir as muitas transformações ocorridas neste sector nos últimos anos e projectar novas possibilidades de acção e pensamento num futuro mais imediato. Neste artigo iremos resumir algumas delas e sintetizar o que se tem passado na crítica de arte, no comissariado, nos museus e evidenciar opiniões formuladas maioritariamente na imprensa internacional sobre as diferentes atividades do meio artístico.
A Art Press publicou no mês de Janeiro de 2011 a transcrição de um debate sobre as evoluções marcantes no mundo da arte no decorrer da última década, que teve o objectivo de fazer um balanço sobre as mudanças e as possibilidades de encontrar novas dinâmicas de trabalho, novos modos de escrever, de exercer o comissariado e de dirigir espaços culturais^[1]. Nesse debate, coube a Nicholas Bourriaud sublinhar um dos traços mais evidentes da década – o crescimento exponencial do número de propostas artísticas, de artistas, de curadores e de exposições, bem como a consequente dificuldade de abarcar uma perspectiva sobre a situação artística no actual panorama alargado da arte contemporânea. A ilusão de tudo conhecer esboroou-se e, segundo Thomas Boutoux, a popularidade das feiras e das bienais, permitindo que num curto período de tempo se possa ambicionar conhecer muito do que se produz e comercializa, constituem realidades associadas. Mas se a diversidade e a pluralidade de propostas são hoje maiores, ficou também visível o paradoxo referido, de haver uma menor singularidade nos programas expositivos realizados, quer em grandes exposições internacionais, quer em bienais existentes nos quatro continentes no mundo, como atestam as mensagens e-flux que diariamente informam sobre o que vai decorrendo nos vários continentes. É pois a reiterada presença dos mesmos curadores, dos mesmos artistas e do factor de industrialização afecto à descoberta de jovens artistas, que responde inversamente, ou seja, em sentido restritivo, à possibilidade expansiva oferecida pelo alargamento territorial da cena internacional da arte contemporânea. Concomitante à multiplicação dos actores, dos lugares e dos artistas, há acrescidamente a percepção de que o mundo da arte se complexificou e que não é possível continuar a falar de um mundo da arte mas de diferentes mundos da arte, de um universo cuja composição integra mais indivíduos, novas profissões, mais colectivos, e acrescidas sensibilidades, interesses e missões, o que indicia uma maior maturidade e consolidação do sector. Apesar de as grandes transformações e mudanças serem positivas, não deixa contudo de ser perceptível a progressiva saturação dos modelos estabelecidos, quer em relação à crítica ou à curadoria, quer em relação à realidade, ao lugar da arte na actual situação económica e social, que torna ainda mais evidente a precariedade do sector. As pressões económicas aumentam sobre as instituições, a programação obedece a critérios de popularidade, com a secundarização do valor artístico, da sua autonomia perante instâncias publicitárias, de marketing cultural, que deixa a claro os efeitos perniciosos do regime de fluidez consolidado entre sectores e esferas, normalizadas as suas diferenças.
Martí Manen, num texto publicado na A-Desk^[2], questiona o imobilismo e a paralisia do meio, a existência de uma certa vontade de que nada mude e tudo persista como era. Na sua opinião, é difícil encontrar diferenças programáticas entre as várias instituições artísticas e, na maioria dos casos, os espaços artísticos apresentam uma estrutura organizativa semelhante, aliada aos mesmos sistemas verticais de tomada de decisões e de modos de funcionamento. E no sentido de incentivar a experimentação, dirigida às instituições, a questão que coloca é a seguinte: «Como poderemos encetar a reformulação do presente, do futuro e do passado, quando continuamos limitados a um único modelo que nunca se coloca em dúvida?»^[3]
Tendo em conta estes pressupostos, vejamos como se equaciona a evolução da crítica de arte. As intervenções suscitadas no debate da indiciaram que a precariedade do sector determina que os agentes críticos controlem sobejamente o que dizem e sofram o impacte do novo tipo de escrita à maneira e-flux, estilo de retórica de comunicado de imprensa com uma influência perniciosa na produção autoral. No mesmo debate foi ainda referido que os críticos passaram a ser invisíveis nos seus textos e que a crítica, tendo perdido o seu estilo, deveria reinventar-se, deixar que o leitor pudesse sentir que o crítico está a bater-se consigo próprio e não apenas com o mundo exterior.
Catherine David, em 2008, a propósito de um dos seus projectos em curso, comentava em entrevista^[4] que as formas de apresentar o trabalho deveriam ser vivas, já que a realidade muda constantemente, não é estática. Perante a falência da noção de um saber estável, definido, propunha documentar o seu trabalho com recurso à ideia de cadernos, por se tratar de um formato e modelo de produção escrita mais aberto, em alternativa ao comum catálogo. Também em 2008, Chus Martínez afirmava a necessidade de incrementar uma transformação na vida cultural, de actuar no sentido de criar espaços de liberdade para investigar, arriscar, especular, incentivando uma mudança nos vocabulários que falam de arte e nas estruturas argumentativas associadas à produção artística^[5]. Uma das possibilidades será então pensar a escrita a partir de condições e de uma visão performativa da linguagem, em detrimento de uma visão descritiva, pragmática, caracterizada pelo seu fechamento e por pretensões de objectividade.
Mais recentemente, ecoou a ideia da existência de uma crise do comissariado. Se a curadoria foi de facto uma actividade que nas últimas décadas viveu um ciclo de emergência, afirmação e protagonismo, ela vive agora, segundo a expressão de Montse Badia, momentos de saturação e questionamento. No seu texto «El comissariado en crisis», Badia refere que estamos a viver, em quase todos os níveis de actividade, um processo de redefinição^[6]. No que diz respeito à crítica, às exposições e ao comissariado, trata-se de «reinventar-se ou morrer, essa é a questão». A sua análise centra-se maioritariamente sobre os modelos curatoriais da Manifesta, que julga oferecerem uma boa cartografia da evolução do comissariado, e um dos aspectos focados é a crescente dissolução da autoria em relação ao tempo de Hans Ulrich-Obrist, a ubiquidade das ideias, a importância da projecção profissional, uma demasiada auto-referencialidade nas propostas e pouca visão ou risco nos modelos seguidos. No mesmo texto, Montse Badia aponta ainda para algumas soluções que poderiam contrariar os problemas enunciados: a seu ver, a resposta está em repensar, investigar a fundo, colocar questões relevantes, apostar mais no conteúdo e no risco e menos nas estratégias de networking.
Na verdade, ao contrário de outros sectores, supõe-se que o contexto da arte contemporânea seja experimental, seja mais aberto ao exercício contínuo de investigar novas possibilidades. Numa entrevista publicada sobre a próxima Documenta, Carolyn Christov-Bakargiev sustentou que não sentia necessidade de apresentar um conceito para a Documenta 13 que dirige, pois a seu ver a estrutura conceptual das práticas curatoriais veio a transformar-se num cliché, num recurso superficial que não conduz a formas e práticas de emancipação^[7].Assim, afirmou: «O que quero dizer é que existe uma jornada política a ser feita, que tem a ver com libertar cada um da obrigação de ser criativo, libertar cada um da obrigação do lazer, libertar cada um do trabalho imaterial pós-fordista. Talvez seja mais interessante apenas colecionar pedras, é por isso que não crio um conceito [para a próxima Documenta]»^[8].No mesmo sentido, declarou que em detrimento do termo de curador prefere usar o de agente, por este estar mais associado à ideia de experimentação.
São os rígidos protocolos de exposição e a rigidez das estruturas institucionais que estão em causa. Segundo Anton Vidokle, no ensaio «Art Without Artists?», publicado no e-flux journal, o modelo dominante de curadoria tem efeitos problemáticos sobre o mundo da arte, fazendo destacar a necessidade de rever a relação artista/curador^[9]. Segundo Vidokle, existe uma espécie de ameaça de a prática curatorial suplantar a prática artística, e de prevalecer uma concepção de artista como actor e de as obras de arte figurarem como adereços que ilustram conceitos curatoriais. O seu alerta continua neste sentido: um movimento nessa direcção corre o sério risco de diminuir o espaço da arte, minando os seus produtores: os artistas.
Estes exercícios de questionamento e de crítica às condições de produção e mediação da prática artística, embora com algumas nuances, são fruto de preocupações e insatisfações cada vez mais partilhadas e discutidas pelos intervenientes. Possivelmente não existem respostas satisfatórias em relação à consolidação de novas dinâmicas e condições que propiciem a reformulação de hábitos e modos de funcionamento instalados. Mais importante do que isso será talvez o facto de estas reflexões contrariarem a indiferença generalizada e contribuírem para descobrir formas mais criativas e experimentais de actuar no mundo da arte.